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Law | 17th Sep 2016 | MICHAEL ANDREW LAW | (2 Reads)

安尼施·卡普尔 + 羅卓睿 

Anish Kapoor + Michael Andrew Law

 

 

  安尼施·卡普尔(Anish Kapoor), 1954年出生于印度孟买。父亲是一位印度教教徒,母亲是一位来自巴格达的犹太人。

    1971年—1973年他和他的两位兄弟来到以色列,在一个农场生活两年,在那里安尼施·卡普尔决定成为一位艺术家。

    1973年他到了伦敦,在霍恩西艺术学院和切尔西艺术与设计学院学习艺术,1979年他在伍尔弗汉普顿教书,1982年成为利物浦的沃克艺术画廊的驻地艺术家,后来就在伦敦工作和生活。

    1990年他代表英国参加威尼斯双年展,被授予意大利Duemila奖,1991年得到英国特纳奖。

    80年代起安尼施·卡普尔用花岗岩、石灰石、大理石、色素和石膏制作几何或生物形态的雕塑,这些早期的雕塑往往以简洁的形式出现,硬边弯曲的,通常是单色的,色彩鲜艳的,使用粉末颜料来定义和渗透形式。

    “虽然是色素的块面,在我看来,它们都形成了自己的对方。所以我决定给他们一个通用标题、一千个名字,暗示无限,一千年被象征的数字。粉末铺就在地板上或墙上的投影,定义了物体的表面,似乎部分被淹没,像冰山。这看起来符合部分东西内部的真实想法。”安尼施·卡普尔这样说。

    在1980年代末到90年代, 他的许多雕塑在于对物质与非物质性的探索,唤起两个独立雕塑作品之间的空白关系,他的雕塑消退到远处,消失在地面或扭曲的空间。

    1987年,他开始在固体、开采出来的石头上雕刻孔径,像蛀牙,通常暗指二元性(earth-sky、matter-spiritlightness-darkness,visible-invisible,conscious-unconscious,男女,和身心)。

    “最后,我说的是我自己。我认为是无法制作思考的。但即使这样,真的也没有关系。”

    自1995年以来,他在高度反光的表面抛光不锈钢制作作品,这些作品反射或扭曲了观众和所在环境。

    接下来的十年,卡普尔式在操作形式和空间使用上更加负有野心,更加雄心勃勃,他创作了大量的巨型作品,包括(1999年)一个35米高的大喇叭安装在英格兰的盖茨黑德面粉厂;“卡普尔在石头的眼睛”被永久放置在挪威北部海岸Ldingen峡湾;2000年,卡普尔的作品之一“抛物线的水域,包括快速旋转的水”,出现在伦敦千禧穹顶。

    2009年,卡普尔成为第一个布莱顿电影节的外来艺术总监,节日期间安尼施·卡普尔安装四个雕塑:“天空在布莱顿馆花园的镜子”,“血液关系”(与作家萨尔曼拉什迪合作),“1000个名字”,“法布里卡处于两者”。公众热烈的反应程度超乎想象,人流势不可挡,警方不得不在作品周围控制交通和人数。

    2009年卡普尔成为第一个在世的在皇家艺术学院办展的艺术家。

    2011年的春天,卡普尔的作品“利维坦”安装在巴黎大皇宫。卡普尔把它描述为:“一个对象,一个形式,一个单一的颜色……我的野心是创建一个高度与光度的空间,以此响应大皇宫的空间。我将邀请游客走在我的工作之上,沉浸在色彩里,我希望它会是一个沉思和诗意的体验。

    最后,再次提醒大家安尼施·卡普尔的出身背景,印度教、犹太教、基督教三种文化的交织,使安尼施·卡普尔的作品既有东方神秘主义的气息也有基督教深沉的反思,它们以安尼施·卡普尔为媒介,相遇、碾压、升华在一起……

 安尼施·卡普尔(Anish Kapoor) (1991年获得“透纳奖”) 生于 1954年

 

印度出生的英国雕塑家。他属于20世纪80年代获得国际声誉的一代英国雕塑家,由于作品中洋溢着全然与外界隔离的抒情气质而享誉当时的雕塑界。他承认自己的艺术创作中融汇了东方和西方的文化。他的雕塑作品之所以充满强大精神力量和神秘感的共振态,其中一部分原因就是他经常的印度之行。他将沙石、大理石和板岩等自然材料涂上色彩艳丽的粗糙色粉,创造了由内而外的闪耀光芒。20世纪90年代早期,他通过在石头的侧面打孔创造了一种更具神秘感的斜面,而在作品《地球(The Earth)》(1992,安装在圣地亚哥,CA, Mus. A.; 得梅因, IA, A. Cent.; 渥太华, N.G.等地)中,他从美术馆的地板上切去了一个圆形,让人们体会阴性空隙的奇妙效果。在他的其他作品中,他通过一种类似炼金术的方式转变材料,创造失重的印象,泥土的平板被涂上鲜艳的蓝色涂料,代表天空和水。通过用富有想象力的方式把完全不相联系的材料结合成神秘的结构,他使观众的注意力集中在材料的内部平衡和协调状态上。

 

Anish Kapoor (won the Turner Prize in 1991) Anish is a British sculptor of Indian birth. He was one of a generation of British-based sculptors who became established in the international arena during the 1980s and is prominent among his contemporaries for the quality of hermetic lyricism that permeates his work. He has acknowledged a bearing on his art of both Western and Eastern culture. The powerful spiritual and mythological resonances of his sculptures arise in part from frequent return visits to India. Natural materials such as sandstone, marble and slate are impregnated with raw powdered pigment of vivid hues, thus enhancing a feeling of inner radiance. In the early 1990s he introduced a more enigmatic slant by boring holes in the flanks of standing stones, while in The Earth (1992; installed San Diego, CA, Mus. A.; Des Moines, IA, A. Cent.; Ottawa, N.G.; and elsewhere) a perfect circle was removed from the gallery floor to intimate the generative effect of negative space. In other works impressions of weightlessness stem from the skilled transformation of materials by an almost alchemical process; earth slabs coated with brilliant blue pigment become signs for sky and water. By imaginative combination of disparate materials in meditative structures, attention is focused on qualities of interior balance and well-being.

安尼施·卡普尔(Anish Kapoor)一直是头条的常客,不论是因为著名的公共委托作品,还是大胆的抗议行为。他是当代最多产、最直言不讳的当代艺术家之一。

 

他在画廊的展览以及公共雕塑使他跻身当今世界最著名的艺术家之列,再加上他心直口快的性格,卡普尔坚定地走在英国当代文化的最前沿。

 

卡普尔在印度孟买长大,并于上世纪70年代初搬到伦敦 。他先后在香雪艺术学院(Hornsey Art College)和切尔西艺术与设计学院学习。受到现代主义和极简主义雕塑的影响,他曾经解释说,希望自己看起来比当今著名的艺术家们更深奥一些。

 

卡普尔在2008年告诉《卫报》:“唐纳德·贾德(Donald Judd)过去常说,艺术不能被创作,只能发生……言外之意就是,工作室是特定实践的发生地。我们希望这些实践深刻地反映平凡的世界——但又不由平凡的世界引导。因此后沃霍尔时代认为世界上的一切都是艺术——虽然也是对的,但是它避免了真正的诗意、或是发生次序略有不同的诗意。而我感兴趣的正是这个顺序。" 


Law | 16th Sep 2016 | MICHAEL ANDREW LAW | (4 Reads)

Painter Huang Yuxing and Michael Andrew Law 

中国当代青年艺术家黄宇兴个展共展出约12件作品,这是黄宇兴在贝浩登的首次个展,也是他新近创作作品的切入式展现。

 

        「AND NE FORHTEDON N Á(不应恐惧)」源于二十世纪阿根廷伟大文学家博尔赫斯墓碑正面的铭文,出自盎格鲁-撒克逊诗歌《莫尔登战役》,也是黄宇兴近来绘画工作挥之不去的内心「回响」。博尔赫斯的一生都在捍卫理想:对于文学,他凌驾于时空之上,意在摆脱现实的束缚;对于政治,他不畏话语权的主导者,以最刻薄的语言回击当权派;对于疾病,他极力抵抗,旨在回击生命的阻隔。「不应恐惧」,成为博尔赫斯人生最终愿望的答覆,也成为黄宇兴这位表现主义艺术家创作与冥想的源泉。这种难以名状的关联,让艺术家与文学巨匠的接近,得以摒弃和依凭一切辩证的合理性,在精神上达致契合。

 

        在此次展览的作品《新世界砸向无产者》中,碎片化的人形再次出现,极度跳跃的色彩、伴生于结晶体中的头骨,都令人想到南美洲亡灵节里的道具,这是对一无所有的无产者、或者以「无产者联盟」为标榜的国度的符号化表征。无数经由色彩积染的、几何块状体凝结出一个纷繁而又富有机体感的空间。这个空间被大块的宝石(陨石)和各种象征着新生活元素的符号毫无忌惮地袭击,狠狠地袭入无产者既有的世界。混乱,贪婪……在新世界无所保留的侵袭当前,激烈的冲击带给无产者的不仅仅是堕落与屈服,也有无尽的快慰,在新世界与无产者们混乱不堪的碰撞之中,一切情欲与情绪都有可能在顷刻之间迸发而出时,「不应恐惧」,却成为了黄宇兴为此时添加的一个注脚。

 

        这意味着基于这一系列作品出发,黄宇兴开始从新的视域,顺应自己的理解去重新勾勒这个世界,并不断试图开辟一条通往生命中心的道路。「人」的生命形态被黄宇兴置于一种与主观化「世界」互动关系的探讨之中。在《成熟之树》中,挺拔成簇的树丛异化为一种经由「头颅」,一步步生长和结晶出骨骼与结构的倒立生物体。色彩的叠加跳跃,呼应着对于「成长、成熟与死亡」的态度,无尽热烈,而又暗含嘲弄,这依赖于对「生命体」无限强大却又无限脆弱的双重确信。在黄宇兴的「树丛」中,怀揣着「不应恐惧」去无休止地冲破这个世界对它的规范、束缚与压制。即便「头颅」上偶尔显现出欢乐、压抑,抑或是失落的神情,它依旧享受着不断接近绚烂和更加绚烂的快感,在不断的逼近成熟中接近「死亡」。

 

        碎片化的人和物质元素,在黄宇兴的造型语言中被赋予了「生命之本源」的意涵,延异出德里达所标榜的「既非……又非……」的话语模式。作为「生理的器官」,它将沿着既定的生命轨迹不断生长,随个体生命的逝去而逐渐走向腐化,作为「精神的本体」,它又终究不会彻底的陨灭,而是在另外一种意义上重获新生。它既非完全的「永生」,又非完全的「堕落」。因此,面对生命,「恐惧」永远都是徒劳的。在作品《襁褓》中,混沌初开的婴儿,如置身生命的河流,漂浮在静谧的空间中,他们在被包裹的透明结晶体之中隐匿、生长。这是生命的原初,又是旅程的起点与终点。

 

        同样地,在几件微小尺幅的作品中,艺术家在反覆而不均匀的颜料冲积下显现出略柔和的底色,色彩迷幻的头颅或完整地占据画面,或被局部地镶嵌于一个个犹如琥珀质感的透明结晶中。它们或保有明确的轮廓,或呈现出扭曲的状态。在黄宇兴流光溢彩的色彩构成和分外温润的色块融汇之下,一些原本惊愕或令人惶恐的图像被渐次消解,而被重新冠以「毋须恐慌」的审视。作为人类生命承载的物质器官,它是每一个个体所有经历的对象化存在,凝结着一个人在生理层面的「生老病死」,在精神层面的「喜怒哀乐」,以及就生命本体而言,对于所有外界境遇、困惑以及「成长」自身的对抗。

 

        无疑,在这里,身体的「器官」越来越明晰地显现为负载着黄宇兴个人思考的「遗迹」。而这一「遗迹」,实质上又早已栖息于黄宇兴的绘画之中,正如他一早就曾提到,「一个人的生命史和它生存的轨迹,总在被各种各样生命以外的东西来回摆布和操作着」,而「器官」这些实体的东西,恰恰「对恃着这种摆布」。在作品《软件工厂》之中,我们更能明晰地看到由「器官」、各种几何块体「宝藏」所共同集合而出的、带有空间和场域的世界。感性的空间框架与几何体交织,加之艺术家对质感的细微把握,澄明出仿若气泡般的透明肌感,继而如榫卯结构般,构建成一个蓄意向画外延伸的环境。在黄宇兴的个人界定中,这是一处「精神生活的集散地,一个脑力劳动者消耗生命」的寓意性存在。在这里,人们不遗余力地转动大脑,循规蹈矩地生活,同时,也自然演化着交迭更替,这是个体在社会中消耗一生的舞台式的缩影。正如建筑上空那向下不断流淌的浓烈色彩的痕迹集合,一如雨后长虹折射而出的耀眼光芒,又如天边那一刹刹烟火瞬时爆发而出的绚烂。它们与堆积而出的建筑体共同交织成一个弥漫着魔幻主义气息的诗意空间,显现出看似虚空,实则充斥着令人无比敬畏的「雄浑」与「激越」。在此,颓废、幻灭、虚无、悲观……同样被有效地消解于「不应恐惧」的设定之中。

 

        纵观黄宇兴的创作脉络,从《食肉目:熊猫科》、《日志》等早期作品中对于现成图像的挪用、改写或悖反,诠释出另外一个虚拟世界的偶然「片段」,到后来《改变中的生命史》和《生理学家的肖像》系列衍生出对「生理学研究」与「生命史」交互作用的理性观照,并由此开始放弃现成图像和观念绘画的道路,再到《栖息地》、《光芒》、以及之后的《河流》,黄宇兴循序渐进的结构了自己的绘画语言和风貌。在「宝藏」系列中,椭圆球体置放于结晶化的几何空间中接受不断的分离、隔断与熔结……由于并不存在一种一以贯之的符号,黄宇兴无意在图像中铺展单一和枯燥的符号形态,他的工作始终贯穿于一条关乎「身体」与「世界」的本质线索之中,从未背离。

 

        黄宇兴的近作,在某种程度上成为「宝藏」系列的深度推进,在延续「宝藏」系列的图像样式之外,也在画面意象的微观修辞上,更加强化着碎片化的「人」主角地位。画中,与人相关的形态与结晶体状的「宝藏」被组合进「不应恐惧」的终极结构之中。就黄宇兴而言,他看重这一本应被普世化,却往往遭遇人们忽略的、对于「人」与「智慧」的认知表达。同时,他也试图超越着有关「人」的固定语义结构。在黄宇兴所塑造的「宝藏」里,它被赋予了超强的能动性,蕴含着即便是在生命陨落之后,依旧能于时间的沉淀下延续自身历史的属性。这让「人」(抑或是「肉身」)成为挑战「世界」的唯一基质,成为智慧与历史的载体。加之,在黄宇兴的绘画中,「世界」被演绎为虚构的、奇幻的抽象所指。于是,「人」成为世界之中唯一可见的东西。这似乎呈现为梅洛·庞蒂「世界肉身化」概念的视觉化转译:世界作为「肉身」的外在物,绵延为「肉身」对「外物」的直接接触;而作为世界的内在化,则是「外物」向「肉身」的显现。在黄宇兴的界定中,「不应恐惧」演进为「人」的必然使命。

 

        如今,当碎片化、瞬息性的当下严重支解着人们以往惯有的日常现实、文化消费以及固态认知时,这不仅意味着我们将会在对世界的把握中失去自信,会在知识的既成模式中怀揣质疑,当然,也意味着会在观念的泛滥中走向迷失与挣扎。这让我们认识到,似乎一切都会以立方次的加速率走向瓦解,与此同时,任何一种僭越着我们想像的事物也将会在出人意料的某个瞬间降临于每个「人」的头上,或悲剧,或喜剧,或能够接受,或难以接受。之于艺术,我们必须,也应该开始接受这样的事实:在切肤的现实深刻面前,每个置身于社会容器中的「肉身」都难以回避。而当焦虑、困惑、忧虑等纷至沓来之时——「不应恐惧」,黄宇兴提供了一例相当独特而又合乎美感的完美范本。


Law | 16th Sep 2016 | MICHAEL ANDREW LAW | (6 Reads)

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By Michael Andrew Law  


Law | 13th Sep 2016 | MICHAEL ANDREW LAW | (4 Reads)

安尼施·卡普尔 + 羅卓睿 

Anish Kapoor + Michael Andrew Law

 

 

  安尼施·卡普尔(Anish Kapoor), 1954年出生于印度孟买。父亲是一位印度教教徒,母亲是一位来自巴格达的犹太人。

    1971年—1973年他和他的两位兄弟来到以色列,在一个农场生活两年,在那里安尼施·卡普尔决定成为一位艺术家。

    1973年他到了伦敦,在霍恩西艺术学院和切尔西艺术与设计学院学习艺术,1979年他在伍尔弗汉普顿教书,1982年成为利物浦的沃克艺术画廊的驻地艺术家,后来就在伦敦工作和生活。

    1990年他代表英国参加威尼斯双年展,被授予意大利Duemila奖,1991年得到英国特纳奖。

    80年代起安尼施·卡普尔用花岗岩、石灰石、大理石、色素和石膏制作几何或生物形态的雕塑,这些早期的雕塑往往以简洁的形式出现,硬边弯曲的,通常是单色的,色彩鲜艳的,使用粉末颜料来定义和渗透形式。

    “虽然是色素的块面,在我看来,它们都形成了自己的对方。所以我决定给他们一个通用标题、一千个名字,暗示无限,一千年被象征的数字。粉末铺就在地板上或墙上的投影,定义了物体的表面,似乎部分被淹没,像冰山。这看起来符合部分东西内部的真实想法。”安尼施·卡普尔这样说。

    在1980年代末到90年代, 他的许多雕塑在于对物质与非物质性的探索,唤起两个独立雕塑作品之间的空白关系,他的雕塑消退到远处,消失在地面或扭曲的空间。

    1987年,他开始在固体、开采出来的石头上雕刻孔径,像蛀牙,通常暗指二元性(earth-sky、matter-spiritlightness-darkness,visible-invisible,conscious-unconscious,男女,和身心)。

    “最后,我说的是我自己。我认为是无法制作思考的。但即使这样,真的也没有关系。”

    自1995年以来,他在高度反光的表面抛光不锈钢制作作品,这些作品反射或扭曲了观众和所在环境。

    接下来的十年,卡普尔式在操作形式和空间使用上更加负有野心,更加雄心勃勃,他创作了大量的巨型作品,包括(1999年)一个35米高的大喇叭安装在英格兰的盖茨黑德面粉厂;“卡普尔在石头的眼睛”被永久放置在挪威北部海岸Ldingen峡湾;2000年,卡普尔的作品之一“抛物线的水域,包括快速旋转的水”,出现在伦敦千禧穹顶。

    2009年,卡普尔成为第一个布莱顿电影节的外来艺术总监,节日期间安尼施·卡普尔安装四个雕塑:“天空在布莱顿馆花园的镜子”,“血液关系”(与作家萨尔曼拉什迪合作),“1000个名字”,“法布里卡处于两者”。公众热烈的反应程度超乎想象,人流势不可挡,警方不得不在作品周围控制交通和人数。

    2009年卡普尔成为第一个在世的在皇家艺术学院办展的艺术家。

    2011年的春天,卡普尔的作品“利维坦”安装在巴黎大皇宫。卡普尔把它描述为:“一个对象,一个形式,一个单一的颜色……我的野心是创建一个高度与光度的空间,以此响应大皇宫的空间。我将邀请游客走在我的工作之上,沉浸在色彩里,我希望它会是一个沉思和诗意的体验。

    最后,再次提醒大家安尼施·卡普尔的出身背景,印度教、犹太教、基督教三种文化的交织,使安尼施·卡普尔的作品既有东方神秘主义的气息也有基督教深沉的反思,它们以安尼施·卡普尔为媒介,相遇、碾压、升华在一起……

 安尼施·卡普尔(Anish Kapoor) (1991年获得“透纳奖”) 生于 1954年

 

印度出生的英国雕塑家。他属于20世纪80年代获得国际声誉的一代英国雕塑家,由于作品中洋溢着全然与外界隔离的抒情气质而享誉当时的雕塑界。他承认自己的艺术创作中融汇了东方和西方的文化。他的雕塑作品之所以充满强大精神力量和神秘感的共振态,其中一部分原因就是他经常的印度之行。他将沙石、大理石和板岩等自然材料涂上色彩艳丽的粗糙色粉,创造了由内而外的闪耀光芒。20世纪90年代早期,他通过在石头的侧面打孔创造了一种更具神秘感的斜面,而在作品《地球(The Earth)》(1992,安装在圣地亚哥,CA, Mus. A.; 得梅因, IA, A. Cent.; 渥太华, N.G.等地)中,他从美术馆的地板上切去了一个圆形,让人们体会阴性空隙的奇妙效果。在他的其他作品中,他通过一种类似炼金术的方式转变材料,创造失重的印象,泥土的平板被涂上鲜艳的蓝色涂料,代表天空和水。通过用富有想象力的方式把完全不相联系的材料结合成神秘的结构,他使观众的注意力集中在材料的内部平衡和协调状态上。

 

Anish Kapoor (won the Turner Prize in 1991) Anish is a British sculptor of Indian birth. He was one of a generation of British-based sculptors who became established in the international arena during the 1980s and is prominent among his contemporaries for the quality of hermetic lyricism that permeates his work. He has acknowledged a bearing on his art of both Western and Eastern culture. The powerful spiritual and mythological resonances of his sculptures arise in part from frequent return visits to India. Natural materials such as sandstone, marble and slate are impregnated with raw powdered pigment of vivid hues, thus enhancing a feeling of inner radiance. In the early 1990s he introduced a more enigmatic slant by boring holes in the flanks of standing stones, while in The Earth (1992; installed San Diego, CA, Mus. A.; Des Moines, IA, A. Cent.; Ottawa, N.G.; and elsewhere) a perfect circle was removed from the gallery floor to intimate the generative effect of negative space. In other works impressions of weightlessness stem from the skilled transformation of materials by an almost alchemical process; earth slabs coated with brilliant blue pigment become signs for sky and water. By imaginative combination of disparate materials in meditative structures, attention is focused on qualities of interior balance and well-being.

安尼施·卡普尔(Anish Kapoor)一直是头条的常客,不论是因为著名的公共委托作品,还是大胆的抗议行为。他是当代最多产、最直言不讳的当代艺术家之一。

 

他在画廊的展览以及公共雕塑使他跻身当今世界最著名的艺术家之列,再加上他心直口快的性格,卡普尔坚定地走在英国当代文化的最前沿。

 

卡普尔在印度孟买长大,并于上世纪70年代初搬到伦敦 。他先后在香雪艺术学院(Hornsey Art College)和切尔西艺术与设计学院学习。受到现代主义和极简主义雕塑的影响,他曾经解释说,希望自己看起来比当今著名的艺术家们更深奥一些。

 

卡普尔在2008年告诉《卫报》:“唐纳德·贾德(Donald Judd)过去常说,艺术不能被创作,只能发生……言外之意就是,工作室是特定实践的发生地。我们希望这些实践深刻地反映平凡的世界——但又不由平凡的世界引导。因此后沃霍尔时代认为世界上的一切都是艺术——虽然也是对的,但是它避免了真正的诗意、或是发生次序略有不同的诗意。而我感兴趣的正是这个顺序。" 


Law | 10th Sep 2016 | MICHAEL ANDREW LAW | (4 Reads)

 

Robert "Rob" Pruitt (born May 17, 1964) is an American post-conceptual artist. Working primarily in painting, installation, and sculpture, he does not have a single style or medium.He considers his work to be intensely personal and biographical.

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Pruitt has exhibited extensively in New York and internationally; in 2013 the Aspen Art Museum held his mid-career retrospective.

 


Law | 5th Sep 2016 | MICHAEL ANDREW LAW | (2 Reads)

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Tony Lloyd (born 1970[1]) is an Australian contemporary artist. Lloyd's paintings are influenced by cinema,[2] in particular Film Noirand Science Fiction,[3] and the Romantic conception of the sublime.[4] Lloyd's largely monochromatic paintings are realist in style.

 

Lloyd currently resides in Melbourne, Australia.[5] Lloyd acquired a Master’s Degree in Fine Arts at RMIT University (The Royal Melbourne Institute of Technology) in 2000. His art has been showcased internationally in places such as Amsterdam, Hong Kong, Melbourne and London.[6] He is the winner of the 2012 John Leslie Art Prize. The Prize is a prestigious award for landscape paintings that attracts artists from across Australia. He has been a finalist for other artistic awards, such as the Geelong Contemporary Art Prize and the Arthur Guy Prize Bendigo Art Gallery award.[6] 


Law | 2nd Sep 2016 | MICHAEL ANDREW LAW | (2 Reads)

Michael Andrew Law and Alexandra Prajer